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Apuntes para entender el Arte Abstracto
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Por Jardón Pérez, S.J.

A. Qué no hay el arte abstracto:
1. No es figurativo ni objetivo.
2. Ausencia de lo natural. En el lienzo no deben hallarse huellas de la naturaleza.
3. Ausencia de lo sensible. Sensibles son los colores. El nuevo cosmos creado por los pinceles traduce directamente en color los datos del pensamiento y la afectividad. La fe, por ejemplo, ya no se debe representar como una mujer vendada, sino por medio de la luz en medio de la obscuridad.
4. Ausencia de la tercera dimensión. Pintura y nada más; sobra lo escultórico, lo que pueda manifestar a las claras las cosas como son. Representar un mundo distinto del existente, un mundo posible, no es fácil. Los objetos no se dibujan, se sugieren. "Sugerir es el arte".
5. Ausencia del espíritu de figuración.

Amarillo rojo y azul. Wassily Kandinsky

B. Qué es el arte abstracto:
1. Presencia directa de un mensajero interior. Representar directamente el alma sin necesidad de representar el cuerpo. Dar el contenido vivencial, espiritual, sentimental o ideológico de un paisaje, de una situación, de un objeto, sin la escoria de lo físico.
2. Presencia directa del entendimiento sin la mediación de los sentidos.
3. El lenguaje de las formas y los colores. "Todo el mundo sabe que el amarillo, el naranja y el rojo representan ideas de alegría o de riqueza" Delacroix.
La pintura abstracta ha captado la tremenda expresividad del color y de la forma, prescindiendo de los cuerpos en que de ordinario vemos los colores. Hace combinaciones bien pensadas y surge una nueva armonía: la musicalidad del cuadro abstracto, con sus tonos vulgares, cálidos, fríos, oscuros, claros, chillones. También las formas abstractas tienen significación propia. Un triángulo puesto con la esquina del ángulo hacia abajo o de lado expresa inestabilidad y desconcierto. Colocado sobre una base indica seguridad, tranquilidad. Las figuras redondas invitan a la concentración, las puntiagudas a la dispersión. En manos del artista está el hacer la combinación más apta para traducir su interioridad.
4. El espíritu de abstracción, la creación pura.
· Para comprender el arte abstracto es necesario estar penetrado de esta verdad: que tal obra de arte no tiene antecedentes en la naturaleza y que es imposible aproximarnos a su significación buscando cualquier analogía con una forma de la naturaleza. (primer grado de abstracción).
· Lo característico del cubismo es un doble proceso de descomposición y composición. Descomponemos lo natural en pedazos, transformar esos pedazos en cubos, cilindros, esferas y componer un conjunto planeado por el artista. He ahí la esencia del cubismo. Más juego de inteligencia que de sensibilidad. (segundo grado de abstracción: esquematización, reducción a formas esenciales, estilización).
· Si todo verdadero arte, aún el más realista, tiene algo de creación personal, el arte abstracto es todo creación a partir de la nada de todo modelo fuera del alma del artista. Ahora bien, si en este arte tan extraño no se representa nada anteriormente conocido ¿qué significan los títulos de las obras abstractas? Los títulos más ordinarios son abstractos: "composición, construcción, pintura". Los títulos de significación concreta indican la relación existente entre el objeto exterior y el objeto interior proyectado en el cuadro. Esta relación consiste en que el objeto exterior ha sugerido o inspirado en alguna manera el cuadro. No en que esté representado en la pintura.

C. Antecedentes del arte abstracto: El fenómeno de la abstracción es una constante en la historia. No tanto de la abstracción del primer grado, cuando del segundo y del tercero. El arte europeo es eminentemente realista. El arte bizantino es esquemático y geométrico. En él, lo mismo que en el gótico y el musulmán, están patentes rasgos del segundo grado de abstracción. El gran precursor del moderno arte abstracto es el cubismo.


Inglés en Moscú. Kasimir Malevich, 1914

D. Autores y tendencias principales:
1. Kandisky y el expresionismo abstracto. Wassily Kandisky (1886-1944), ruso. Es el primer pintor abstracto puro y el que llevó el nuevo movimiento a más altos valores estéticos. En l913 experimentó que los objetos perjudicaban a su arte. Desde entonces busca laceración de una musicalidad pictórica. Es un espíritu revuelto, caótico, muy en consonancia con la sensibilidad moderna.
2. Malevich y el suprematismo (1878-1935), ruso. Quiere liberarse de todo. Ante su arte un espectador vulgar pasa despectivo e indiferente. "Por suprematismo entiendo, dice, la supremacía de la pura sensibilidad en el arte". En l913 expuso un cuadro que no representaba nada sino un cuadro negro sobre fondo blanco, la crítica se lamentó, y con ella el público, diciendo: "Todo cuanto amábamos se ha perdido; estamos en un desierto". El ascenso a la cima es penoso, pero también satisfactorio. Las cosas habituales retroceden cada vez más lejos; a cada paso que se da, los objetos se alejan, hasta que, finalmente, el mundo de las nociones en el que, sin embargo, vivimos, se deshace completamente. Basta de imágenes de la realidad, basta de representaciones ideales, sólo el desierto. Pero este desierto está penetrado del espíritu de la sensibilidad inobjetiva que lo llena todo.
Las pinturas de Malevich son un paso más, decidido y decisivo, en el camino de la abstracción. En 1913 lo mismo que Kandinsky, comenzó la trayectoria artística que le había de acarrear fama. "Sus obras son claras, geométricas y precisas, mientras las de Kandinsky son expresivas, complicadas y casi románticas", Cheney, "Malevich es un místico hundido en hondas tenebrosidades de misterios que lucha por expresarse con sencillez y claridad". "Lo que yo sentía en mi, era la noche absoluta; en ella percibía la creación y le dí el nombre de suprematismo. Su exposición es el plano negro en forma de cuadro".
3. Robert Delaunay, el orfismo (1885-1941), francés. "Si queremos definir en una fórmula lapidaria el estilo del fundador del orfismo, podemos decir que ha sido el poeta del color". Lo que son para el literato las palabras y los sonidos son para este pintor el verde, el rojo, y el amarillo" - Hateel - Swanenburg- bautizó esta tendencia Guillaume Apollinaire. Delaunay obtuvo grande éxito. Se le hicieron numerosas peticiones. Para el Palacio del Arte Francés, pintó un ritmo inmenso de setecientos ochenta metros cuadrados de superficie.
4. Neoplatonismo (De Stijf) Mondrian, Van Doesburg, Vantongerloo, holandés. Este movimiento influyó en la escultura y en la arquitectura.
5. Informalismo. Antonio Tapíes, español. Es el último grito de la abstracción juntamente con el expresionismo lírico. El interés de este movimiento se centra en la materia, descubrir las texturas de "los materiales de que está compuesto el universo". Arte pictórico y escultórico. Arena, goma, carbón triturado, yeso, cal, barniz, forman la pasta pictórica que Dubuffet plasma en láminas de cartón piedra. "Es evidente que el factor fundamental de la pintura de Tapíes es el propiamente pictórico. Tapíes ha conseguido una auténtica ciencia del matiz que le ha permitido y le permite lograr calidades tan inefables modulaciones de color, línea o estructura, tan bellas como las que, dentro sus respectivos sistemas, pudieron lograr los más grandes pintores del Renacimiento y del periodo barroco.
6. Abstraccionismo lírico. La finalidad principal se pone en la captación de los rayos matutinos del instinto creador. Interesa más el gusto de pintar que el cuadro pintado. Matheu aparece en la televisión pintando, ha logrado récords sorprendentes. En 20 minutos dice que se puede terminar un gran cuadro. Jackson Pollock, norteamericano, está en la misma línea.

E. Enjuiciamiento del arte moderno.
"En arte no se puede permitir el lujo de repetir lo que ya ha sido inventado", Rubert de Ventos, "El arte ensimismado".
En arte, como en todo lo humano, está siempre el vigor, la ley de compensación de valores. A mayor intensidad de una cualidad, proporcional descenso de otras cualidades contrarias.
La representación fielmente naturalista agrada a las masas, peo no contenta el paladar delicado de los artistas e intelectuales. El impresionismo, para mostrarnos los efectos de la luz en los cuerpos ha tenido que deformarlos. Por el esfuerzo de resaltar la expresividad de algunas partes de la figura humana, el expresionismo pinta caricaturas. El arte abstracto, despreciado justamente por el pueblo y exaltado por sus cultivadores y por muchos teóricos Del arte tiene también valores positivos y deficiencias notables.
El arte abstracto ha de estar libre de:
· La significación figurativa que se da cuando la obra de arte reproduce o alude a la naturaleza exterior.
· La significación simbólica o evocativa no se refiere al mundo exterior.
· La significación decorativa que nos remite al contorno de la obra en el cual queda integrado como decoración.
· La significación metafísica trasmite el meollo ontológico, no el estético, de la obra de arte.

No todos los pintores, sin embargo, han intentado liberarse de estas cuatro significaciones y son verdaderamente abstractos.

Por Jardón Pérez, S.J., en revista Razón y Fe, 1965, páginas 186-203 (Son notas tomadas de un artículo aparecido en esa revista).

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